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| Foto: Divulgação |
Por: Mayara Abreu
Se existe algo que o Story Of The Year sabe fazer como poucos é transformar caos emocional em música que bate forte, tanto no peito quanto na cabeça. Em A.R.S.O.N. (All Rage, Still Only Numb), oitavo álbum de estúdio da banda, os caras aprofundam e transformam dor, frustração e relações quebradas em um disco intenso e cheio de identidade.
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| Foto: Divulgação |
Por: Jair Cursiol Filho
O Beyond the Black é uma banda que eu nunca parei para escutar com muita atenção. Vi um show deles em 2018 ou 2019 no Wacken Open Air fazendo cobertura pela Big Rock. Foi um show competente, mas não o suficiente para eu virar um fã da banda. O line-up da banda é basicamente o mesmo daquela época: Kai Tschierschky na bateria e os guitarristas Chris Hermsdörfer e Tobi Lodes, todos desde 2016 na banda (que não tem um baixista oficial desde 2021). Isso gerou estabilidade desde a grande mudança ocorrida em 2016 após o lançamento do segundo álbum, quando apenas a vocalista Jennifer Haben continuou da formação original.
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| Arte: Zbigniew Bielak |
Por: Rodrigo Noé de Souza - Mtb 0090611/SP
A banda alemã de Thrash Metal Kreator começa o ano com os dois pés no peito. Primeiro, com o lançamento do seu documentário Hate & Hope, mostrando os bastidores das turnês da banda, além de depoimentos de Chuck Billy (Testament), Scott Ian (Anthrax) e Phil Demmell (Kerry King, ex-Vio-Lence e ex-Machine Head).
Agora, eles lançam, a partir do dia 16 de janeiro, seu 16º petardo, 'Krushers of the World', pela Nuclear Blast. Com 10 faixas explosivas, Millie Petrozza desperta sua fúria e letalidade, além, é claro, de sua admiração por cinema de horror, principalmente do filme Suspiria, de Dario Argento, na faixa "Tränenpalast".
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| Foto: Divulgação |
Por: Rogério Talarico - Colaborador Big Rock N' Roll
1.182 dias separam o lançamento de Pawns and Kings e o novo álbum autointitulado do Alter Bridge. Para os fãs mais assíduos, trata-se de uma verdadeira eternidade — espera que finalmente chega ao fim no próximo 09 de janeiro de 2026. Lançado pela Napalm Records, o disco traz 12 faixas e marca um momento especial na trajetória da banda: foi gravado no lendário Estúdio 5150, local onde o Van Halen registrou clássicos como “Why Can’t This Be Love”, “Dreams” e “Love Walks In”. Atualmente sob comando de Wolfgang Van Halen, filho de Eddie e amigo de longa data da banda, o estúdio foi gentilmente cedido para a gravação deste álbum — o primeiro do Alter Bridge fora do estúdio Barbarosa, em Orlando.
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| Foto: Divulgação |
Por: Rodrigo Noé de Souza - Mtb 0090611/SP
Em 2004, pude acompanhar a banda Mad Dragzter, quando eu comprei o CD Strong Mind. Esse disco foi o primeiro de uma banda nacional que eu comprei, e escutava direto, e quando eu estava na faculdade de jornalismo. Pude conhecer o vocalista e guitarrista Tiago Torres e ouvi o disco seguinte Killing The Devil Inside, de 2006, no estúdio Nimbus.
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| Foto: Divulgação |
Por Juliana Carpinelli
Após um período de incertezas e reabilitação vocal, Jon Bon Jovi retorna com a confiança e o brilho que moldaram sua carreira. 'Forever (Legendary Edition)', lançado em 24 de outubro, é mais do que uma simples reedição do álbum 'Forever' (2024) — é um testemunho de resiliência, amizade e renovação artística.
A nova versão mantém as mesmas faixas do disco anterior, mas ganha vida extra com as participações de amigos próximos da banda e de Jon, incluindo Bruce Springsteen, Lainey Wilson, Jelly Roll, Jason Isbell, Carin Leon, Joe Elliott, Robbie Williams, Avril Lavigne e muitos outros. As colaborações soam orgânicas, trazendo frescor às composições e uma atmosfera de celebração. É como se o Bon Jovi olhasse para o passado com gratidão, mas com os dois pés no futuro. Abaixo, algumas faixas de destaque deste lançamento...
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| Foto: Divulgação |
Por: Rodrigo Noé de Souza - Mtb 0090611/SP
Pelo visto, Max Cavalera não pára! Seja ele homenageando seus álbuns clássicos da sua ex-banda Sepultura, ao lado do seu irmão Iggor; ou lançando seu novo single Piledriver para o jogo Street Fighter 6, da banda Cavalera Conspiracy; o vocalista resolve se aprofundar nas raízes brasileiras, com o seu novo trabalho do Soulfly. E o nome é um chamado para a pancadaria: Chama.
Segundo Max, ele e seu filho Zyon (que é baterista da banda) estavam vendo o UFC e vendo o lutador Alex Poatan entrando no ringue ao som da música Itsári, do álbum Roots, do Sepultura. Aquilo fez o vovô Max ficar emocionado e se inspirou no Alex para batizar o disco de Chama.
Conforme foi dito, o 13º disco da "Alma que Voa" mostra claramente as nuances indígenas, sem falar que, desde Ritual (2019), o Max grooveou todas as músicas, mas, sem deixar o peso extremo.
Faixas como Storm The Gates (1º single), Nihilist (homenageando L. G. Petrov, do Entombed), Ghenna (com os solos de Michael Amott, do Arch Enemy) e Black Hole Scum são um convite para as rodas e moshs.Soulfly X!!! mostra a versatilidade musical do Max, com toques suaves, remetendo ao Progressivo.
Pode não ser um trabalho marcante, como foram Enslaved (2012), Conquer (2008) e Dark Ages (2005), mas, pelo menos, Max Cavalera "chamou" os seus ancestrais, para fincar seu nome na história.
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| Foto: Jim Louvau |
Soufly - 'Chama'
Data de lançamento: 24/10/2025
Gravadora: Nuclear Blast
Tracklist:
01. Indigenous Inquisition
02. Storm The Gates
03. Nihilist
04. No Pain = No Power
05. Ghenna
06. Black Hole Scum
07. Favela _ Dystopia
08. Always Was, Always Will Be…
09. Soulfly XIII
10. Chama
Max Cavalera | Voz e Guitarras
Igor Amadeus Cavalera | Baixo
Zyon Cavalera | Bateria
Mike De Leon | Guitarra
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| Arte: Eliran Kantor |
Por: Otávio Augusto Juliano - Colaborador Big Rock N' Roll
Testament: novo disco de estúdio após mais de cinco anos
O termo mundialmente conhecido como “Big Four” se refere às quatro bandas americanas que moldaram e popularizaram o Thrash Metal: Metallica, Megadeth, Anthrax e Slayer. Considerado praticamente a “quinta força” do gênero, o Testament é também uma das referências para os fãs e se mantém na ativa de forma ininterrupta por quatro décadas, lançando regularmente trabalhos de estúdio, como é o caso do mais recente “Para Bellum”.
A equipe da Big Rock teve acesso antecipado e exclusivo ao novo álbum, disponibilizado pela gravadora alemã Nuclear Blast Records, com data oficial de lançamento para 10 de outubro. Após pouco mais de cinco anos, o Testament mostra estar em plena forma, com uma mescla sob medida de sua tradicional sonoridade e elementos atuais.
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| Foto: Divulgação |
Por: João Zitti - Colaborador Big Rock N' Roll
Atualmente em turnê no Brasil, conheça “The Shit Ov God”, último disco da banda Behemoth e um dos melhores álbuns de metal do ano
O Brasil está sendo um grande destaque nas rotas dos artistas internacionais nesse ano de 2025, já tendo contado até o momento com apresentações de gigantes do rock, como System of a Down, Slaughter to Prevail e Kerry King. Ainda que o ano esteja acabando, isso não quer dizer que o ritmo de shows esteja diminuindo: em setembro, o país está sendo palco da turnê “The Unholy Trinity”, com apresentações Nidhogg, Deicide e Behemoth, em uma série de shows brutais no território nacional que tem mantido a chama do Black Metal acesa e vibrante.
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| Foto: Divulgação |
Por: Mário R. Pescada - Colaborador Big Rock N' Roll
De Belo Horizonte, Alerta Vermelho arrasa na sua estreia com o ótimo EP “Zero”
O mineiro Alerta Vermelho foi formado em 2023 aqui em Belo Horizonte (coincidência que nos anos 90 tivemos uma banda com esse mesmo nome também de BH, só que de thrash metal) por três bateristas experientes da cena underground que trocaram de postos, assumindo baixo e guitarra.
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| Foto: Divulgação |
Por: João Zitti - Colaborador Big Rock N' Roll
Com “private music”, Deftones entrega um excelente disco que abraça raízes, experimentações e que agradará suas diferentes gerações de fãs.
Após quase cinco anos de espera desde “Ohms”, Deftones finalmente está de volta! Para quem não conhece, Deftones é um dos principais nomes do Nu Metal, movimento musical surgido nos anos 90 e que misturava rock e metal com elementos de hip-hop. Liderado por Chino Moreno, a banda é detentora de hits como “Change (In The House Of Flies)” e “My Own Summer (Shove It)”, e é tida como uma das principais portas de entrada da nova geração no mundo do rock e do metal. O novo lançamento do grupo é o disco “private music”, que conta com pouco mais de 40 minutos de duração e 11 músicas em seu tracklist. Além disso, o álbum está sendo lançado no mesmo ano em que “Adrenaline” completa 30 anos, uma grande coincidência (ou não) do destino. A Big Rock teve o prazer de ser convidada pela Warner Music Brasil para a Listening Party exclusiva do novo álbum, em um evento exclusivo e que aconteceu em um dos principais pontos da cidade quando se fala de metal: a Galeria do Rock, mais especificamente no “The Cave”, que fica logo na entrada do andar subsolo do local.
O disco inicia com a faixa “my mind is a mountain”, que não é uma grande novidade para os fãs do grupo, pois foi marcada por ser o primeiro single lançado do novo trabalho. Já de cara, ela é uma ótima introdução para o disco, com a utilização de riffs que combinam o peso e a velocidade para impactar o ouvinte e anunciar que Deftones, enfim, voltou. Além disso, a abordagem de Chino Moreno por preservar as suas linhas vocais mais arrastadas (no sentido positivo) reforça o intuito da banda de seguir com suas raízes nos seus trabalhos mais modernos, ainda que claramente buscando se modernizar. Falando de Chino: quem acompanhou a banda nos últimos tempos está ciente das mudanças vocais que o vocalista tem enfrentado, o que é perfeitamente normal de se acontecer. E nesse disco, o artista toma a inteligente decisão de criar músicas que se adequam aos seus vocais atuais, de forma a preservar a sua identidade e abraçar o presente e o futuro, dando preferência a entregar trabalhos de qualidade ao invés de se jogar em uma tentativa desesperada de mostrar que é o mesmo garoto de quase três décadas atrás.
Seguimos, então, para “locked club”, faixa que apresenta vocais mais “recitados”, de certa forma, do que cantados em sua grande maioria. O peso, aqui, é trazido por uma afinação mais grave das guitarras (muito provavelmente de 7 cordas, algo feito anteriormente pela banda), que deixa de lado riffs mais complexos para dar lugar, então, para bends e notas ressoando por um maior intervalo de tempo. As linhas de guitarra mantém um padrão muito similar ao longo da canção como um todo, o que faz com que a bateria seja o grande destaque da música, que mistura batidas bem marcadas e agressivas com pratos em momentos estratégicos que reforçam a energia mais “etérea” desejada. A terceira música do álbum, “ecdysis”, apresenta um elemento inédito até então no disco, que é a utilização de batidas mais eletrônicas que remetem à ideia de algo mais industrial, não orgânico e padronizado. Ela, então, segue para um padrão já mais rítmico, reforçada pela excelente combinação das linhas de bateria e de baixo que lembram até mesmo o início de “Around The Fur”. A utilização desses elementos mais eletrônicos no início da canção fazem muito sentido, especialmente quando alinhados à letra da canção, que se propõe a falar de uma retomada do mundo por parte da natureza, com o aumento dos rios e o domínio das chamas como um símbolo da “praga” do ser humano e de suas ações com o meio-ambiente.
O disco segue para “infinite source”, que é provavelmente uma das faixas mais fracas do disco. Creio que o grande problema aqui seja a presença de muitos elementos diferentes em um lugar só: a música tenta criar uma atmosfera mais etérea, com guitarras pesadas e, ao mesmo tempo, linhas com um timbre clean, com vocais que recitam a letra de uma maneira mais rítmica, mas ao mesmo tempo mais arrastada. Consequentemente, isso cria uma canção em que muitas coisas querem falar ao mesmo tempo, mas nenhuma consegue com um efetivo sucesso, se tornando uma canção que fica perdida no meio de todas as outras.
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| Foto: Clemente Ruiz |
A canção seguinte, “souvenir”, é a mais longa de todo o álbum: seis minutos e dez segundos, no total. Ao contrário da sua antecessora, ela consegue trazer muito bem todo o aspecto mais voltado pra uma transcendência da matéria, em um amor que ultrapassa o espaço e tempo em sua letra. O uso de efeitos na guitarra enquanto combinada por riffs de peso, especialmente no minuto 2 acompanhando a letra em “Keep warm here beside me, holding you tightly”, é a grande cereja do bolo na canção, que, assim como em “locked club”, busca criar riffs que não necessariamente são os mais complexos, mas definitivamente são os mais efetivos. A partir do minuto 4, são utilizados sintetizadores (ao que tudo indica) para transportar o ouvinte diretamente a esse mundo espacial que tanto se fala durante a canção, criando uma calmaria antes da explosão.
E é exatamente isso que acontece em “cXz”, que traz uma sonoridade que é, definitivamente, a mais caótica até o momento no álbum, reforçada especialmente pelas linhas de guitarra e pelos efeitos utilizados por Chino em seus vocais, que transmitem uma sensação de quebra e rompimento da realidade. Isso tudo, claro, é muito alinhado com sua letra, que fala justamente de reconfigurações da realidade e distorções mentais. A mensagem é muito reforçada, também, pelo visualizer elaborado pelo grupo, que mostra diferentes imagens tentando se encaixar e voltar ao padrão, mas sem sucesso.
Agora tendo entrado oficialmente na segunda metade do álbum, somos presenteados pela belíssima “i think about you all the time”, que lembra (e muito) outras canções mais melódicas da banda, como “Beauty School” e “Sextape”, do disco “Beauty School”. Isso acontece. especialmente, pela escolha de vocais mais melancólicos por parte do Chino e, também, pela utilização de timbres mais cleans em alguns momentos da canção, combinados por delays e, claro, interrupções por partes mais pesadas e com a típica sonoridade mais arrastada. Podemos decretar, oficialmente, que temos um novo hino da sofrência do Deftones, e que é uma excelente adição ao catálogo da banda.
E seguindo a sequência de excelentes músicas, temos “milk of the madonna”, que foi o segundo e último single do álbum lançado pelo grupo. Em pouquíssimo tempo, ela consegue criar uma explosão sonora e energética surpreendente, acompanhando e desenhando as tragédias de uma chuva de sangue citada na letra com sucesso. Claro que colocar o nome de Madonna no título da canção tem muito haver com o fato de ser uma artista que possui ligações com um certo lado religioso e bíblico (especialmente no quesito polêmica), mas muito se deve, também, ao relacionamento que ambos os artistas possuem: foi a gravadora de Madonna que, lá nos anos 90, assinou um contrato com Deftones para a gravação e lançamento de seus discos, tendo sido aprovados pela própria artista em pessoa. Ela, inclusive, chegou a presentear Chino com um pôster nu dela com seu autógrafo em comemoração pelo contrato assinado. Muitos anos depois, o grupo finalmente resolveu retribuir a homenagem, escolhendo justamente uma das melhores músicas desse disco (e arrisco dizer de sua carreira) para isso.
A nona música do álbum, “cut hands”, é uma viagem no tempo quase que instantânea para o Nu Metal dos anos 90, especialmente para seus dois primeiros discos “Adrenaline” e “Around the Fur”. O uso de scratches pontuais (especialmente na sua abertura) são justamente o causam esse efeito, acompanhado pelo estilo dos vocais utilizados por Chino, com screams agudos que ajudam nesse grande flashback. Aqui, é claramente priorizado o peso ao invés de uma construção mais etérea vista em outras canções, retomando toda uma sonoridade mais caótica e, especialmente, revoltada desse período e desse movimento musical.
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| Foto: Divulgação |
Algo a ser parabenizado sobre esse disco é o excelente uso de transições extremamente limpas entre as faixas. Isso acontece em todo o álbum, mas é importante fazer esse comentário justo agora devido à impressionante transição entre “cut hands” e “~metal dreams”, que tanto na Listening Party quanto escutando o álbum posteriormente transmitiram a impressão de que as duas eram uma única música, de tão bem encaixadas que elas foram. Portanto, fica esse comentário pontual que, definitivamente, me pegou desprevenido positivamente.
Falemos, então, de “~metal dreams”: a canção volta a brincar com a criação de uma sonoridade mais etérea, mas ao mesmo tempo encaixando diversos elementos de estranhamento sonoro, como a utilização de notas dissonantes e quebras de timing durante toda a canção.
Fechando o disco, temos a faixa “departing the body”, canção essa que parece ser uma grande retomada de tudo que escutamos ao longo do disco: o grupo mistura sonoridades mais eletrônicas e tecnológicas com uma certa introspecção a princípio, para, então, ser quebrada pela agressividade das guitarras em um ritmo que parece se arrastar por toda a canção. É quase como se nós trancendescemos a matéria para um espaço livre de tudo mas, ao mesmo tempo, extremamente tecnológico, e que em certos aspectos causa até mesmo uma sensação de aprisionamento ao invés de uma liberdade real, encerrando com chave de ouro as sonoridades e temáticas trabalhadas ao longo de todo o disco.
Após quase cinco anos desde seu último trabalho, Deftones entrega em “private music” um disco com excelentes canções, como “ecdysis”, “i think about you all the time” e “milk of the madonna”, e que traz um balanço perfeito entre elementos experimentais e de suas raízes, abraçando o seu consolidado público do passado e abrindo os braços para receber as novas gerações do futuro.
TRACKLIST COMPLETA:
1. my mind is a mountain
2. locked club
3. ecdysis
4. infinite source
5. souvenir
6. cXz
7. i think about you all the time
8. milk of the madonna
9. cut hands
10. ~metal dream
11. departing the body
Ouça aqui: https://deftones.lnk.to/PrivateMusic
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| Foto: Divulgação |
Por: Alexandre Veronesi - Colaborador Big Rock N' Roll
Na mitologia nórdica, Midgard é o nome atribuído ao reino dos humanos. A despeito disso, a banda bauruense homônima, fundada no já distante final da década de 90 (1999, mais especificamente), pouco ou nada explicita as suas hipotéticas influências provenientes da terra dos vikings, ao menos não em seu mais recente trabalho, o qual abordaremos aqui.
"Verdugos", que significa 'carrascos' e/ou 'algozes', é o título do segundo full-lenght do grupo, lançado em Novembro de 2024, após um salto de quase 20 anos do antecessor, "From Ashes..." (2005), e agora contando com um line-up majoritariamente reformulado: o conjunto hoje consiste em Paula Jabur (vocal), Marco F.L.Y. (vocal e baixo), Omar Rezende (guitarra e vocal), Julio "Tio Chico" (bateria) e Miño Manzan (teclado).
A sonoridade do Midgard é interessante e um tanto quanto complexa de se rotular. Muito embora o mote central parta do Heavy / Doom Metal, o quinteto ostenta um leque de influências diversas, que vão do Rock Psicodélico, Stoner, até mesmo ao Hard Rock - aplicadas por vezes em doses homeopáticas nas composições - além de que, ter três vocalistas na formação aumenta exponencialmente a capacidade em desenvolver novas camadas e nuances, e provas cabais disso são temas como "Another Day", "Last Sanctuary", "Pearls To The Pigs", "Midnight Rainbow" e " Nocturnal Storm", que têm a capacidade de transportar o ouvinte à outra realidade, uma verdadeira viagem sônica, com peso e bom gosto. "Crying At The Party" é mais um grande destaque, e de certa forma, uma exceção dentro do repertório (e grata surpresa), pois trata-se de um tema Glam Metal praticamente aos moldes tradicionais, muito enérgico, que carrega porém uma temática lírica melancólica. Com os seus 50 minutos de duração, o disco encerra-se por meio de "Wild Walkers", uma faixa densa e arrastada, sem dúvidas uma das mais legais do registro.
"Verdugos" foi gravado no estúdio Mr. Rec Vintage Audios, em Bauru/SP, com produção assinada por Amauri Muniz, sendo que mixagem e masterização ficaram a cargo de Caio Constanzo. A arte da capa, enigmática e recheada de signos atrelados diretamente ao título do trabalho, foi desenvolvida por Jean Michel, artista gráfico que já trabalhou com grandes nomes como Queensrÿche, Metal Church, Vixen e Lynch Mob.
Para finalizar, recomendo a todos que escutem esta bolachinha com extrema atenção e carinho, e àqueles que aprovarem a experiência, deixo aqui uma dica valiosa: a banda está às vésperas do lançamento de um novo EP, intitulado "Echo Fractum", previsto para 11 de Julho próximo, então, fiquem ligados!
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| Foto: Divulgação |
Midgard - Verdugos
Data de lançamento: 02/11/2024
Gravadora / Selo: Som do Darma
Tracklist:
01 - Another Day
02 - Last Sanctuary
03 - Pearls To The Pigs
04 - Midnight Rainbow
05 - Psy-Code-Hellika
06 - Nocturnal Storm
07 - Crying At The Party
08 - Silent Song
09 - Wild Walkers
Formação:
Paula Jabur - vocal
Marco F.L.Y. - baixo e vocal
Omar Rezende - guitarra e vocal
Julio "Tio Chico" - bateria
Miño Manzan - teclado
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| Arte: Juh Leidl |
Por: Alexandre Veronesi - Colaborador Big Rock N' Roll
Sejamos honestos: o Brasil nunca foi exatamente uma referência em se tratando de Prog Metal. Muito embora hajam formações que apostem na mescla do subgênero com outros diversos, especialmente o Heavy e o Power - o próprio Angra é um bom exemplo disso - além de nomes que causaram alguma repercussão durante seu período de existência, como é o caso do MindFlow, este nicho específico ainda carece de maior representatividade por aqui. Bem, no que depender do Maestrick, tal cenário poderá mudar muito em breve.
Fundada em 2004 na cidade de São José do Rio Preto (interior de São Paulo), a banda estreou em estúdio com o EP "H.U.C." (2010), para já no ano seguinte soltar seu primeiro álbum cheio, o muito bem recebido "Unpuzzle!", e a verdadeira consagração dentro do âmbito nacional veio com "Espresso Della Vita: Solare", disco de 2018 que marcou a primeira etapa da história conceitual do grupo sobre a jornada da vida, representada na obra por meio de uma viagem de trem. Com nada menos do que uma pandemia no caminho, a aguardada segunda parte enfrentou atrasos e outros percalços, até que pôde ver a luz do dia em 02 de Maio de 2025, e eis que "Espresso Della Vita: Lunare" encontra-se finalmente entre nós, uma cortesia da renomada gravadora italiana Frontiers Records.
O line-up atual - e naturalmente, responsável por esta gravação - permanece contando com Fábio Caldeira (vocal, piano e teclado), Renato Montanha (baixo) e Heitor Matos (bateria), os membros originais do Maestrick, acrescido por Guilherme Henrique, músico que em 2019 assumiu as seis cordas da banda.
A introdução "A Very Weird Beginning" é basicamente uma narração com piano ao fundo, que rapidamente dá lugar a "Upside Down", com seu clima e pegada quase circenses - consigo facilmente imaginar Caldeira aqui portando uma cartola e terno colorido enquanto canta - detentora de um dos refrãos mais poderosos do registro. Na sequência, vem "Boo!", faixa bastante pesada que flerta com o Heavy Metal mais tradicional (da escola moderna), com destaque para as linhas de guitarra, além da boa participação de Tom S. Englund, frontman do Evergrey; "Ghost Casino", uma interessante representação de teatro musical, com vocais dinâmicos e um arranjo recheado de variações melódicas; e então, "Mad Witches", a primeira faixa de longa duração (9 minutos), detentora de um lindo início em piano e voz - com passagem similar ao meio - que logo ganha contornos dramáticos, diversas mudanças rítmicas, e possui um dos melhores solos do disco.
A audição segue com a balada "Sunflower Eyes", que particularmente considero a faixa mais 'insossa' do repertório, mas as coisas logo voltam aos trilhos em "The Root", canção Prog Metal raíz - com o perdão do trocadilho - que chega até a lembrar Dream Theater em alguns momentos, altamente pesada, climática e de refrão denso, e devo evidenciar também o ótimo duelo de guitarra e teclado que a abrilhanta. "Dance Of Hadassah" possui um tom enigmático e carrega a interpretação mais sublime de Caldeira, além da bela passagem executada pelo Coral Sharsheret, que é formado por mulheres judias, muitas delas sobreviventes do holocausto ou descendentes de sobreviventes.
Adentrando o quarto final temos "Agbara", uma quebradeira fortemente influenciada pela música regional nordestina, contando com incrível trabalho de groove por parte da cozinha rítmica de Montanha e Matos, algumas pontuais passagens em português e a sagaz adição de Jim Grey, vocalista da subestimada banda australiana Caligula's Horse; então, "Lunar Vortex" traz o lendário Roy Khan (Conception e ex-Kamelot), e a despeito da inclusão de efeitos eletrônicos de voz que considero bastante desnecessários, se revela mais uma boa canção. A próxima, "Ethereal", foi a primeira música de trabalho (lançada ainda em 2024), e é tranquilamente o som mais 'comercial' do álbum, estruturado de maneira bastante protocolar, mas não menos empolgante por isso, muito pelo contrário; e finalmente, "The Last Station (I A.M. Leaving)", um encerramento épico dividido em blocos quase perfeitos, e que cresce consideravelmente a cada ato apresentado, condensando em 18 minutos todo o excepcional trabalho de uma banda muito mais focada em riqueza de arranjos do que mero virtuosismo barato.
Em suma, "Espresso Della Vita: Lunare" é, no mínimo, tão especial e grandioso quanto o seu antecessor. Os 78 minutos que ostenta fluem com enorme organicidade, sem conter excessos ou 'gorduras', pois tudo está ali por uma razão, todas as nuances, detalhes, e dessa forma a engrenagem trabalha 100% em prol da arte. Sem sombra de dúvidas, um dos grandes lançamentos do ano!
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| Foto: Herick Mem |
Maestrick - Espresso Della Vita: Lunare (2025)
Data de lançamento: 02/05/2025
Gravadora: Frontiers Records
Tracklist:
01 - A Very Weird Beginning
02 - Upside Down
03 - Boo!
04 - Ghost Casino
05 - Mad Witches
06 - Sunflower Eyes
07 - The Root
08 - Dance Of Hadassah
09 - Agbara
10 - Lunar Vortex
11 - Ethereal
12 - The Last Station (I A.M. Leaving)
Formação:
Fábio Caldeira - voz e piano
Guilherme Henrique - guitarra
Renato Montanha - baixo
Heitor Matos - bateria
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| Foto: Divulgação |
Por: Mário R. Pescada - Colaborador Big Rock N' Roll
End Of Green reverencia seu passado e respeitosamente o supera em Twinfinity
Bandas regravarem discos ou mesmo fazerem excursões tocando na íntegra algum álbum considerado clássico já não é mais novidade e tem se tornado algo bem comum, na verdade. O End Of Green é mais um que entrou para essa lista após o lançamento de "Twinfinity" (2025).
Lá em 1996 o grupo alemão estreava com “Infinity”, um disco cheio de melancolia e com influências de stoner, grunge, gótico e rock alternativo. A banda chegou a se denominar depressed subcore, mas o rótulo não pegou. A sonoridade do álbum era crua, rústica mesmo (a banda nem costumava afinar seus instrumentos, disse o vocalista Michelle em uma entrevista). O que chegava aos nossos ouvidos era um som diferente, melancólico, uma mescla de Type O Negative com Soundgarden.
Oito discos depois e avançamos para 2025 quando o End Of Green resolve revistar seu passado lançando “Twinfinity" (2025), CD duplo que contém o original “Infinity” (1996) e sua regravação na íntegra (daí o “Twin” do título, uma brincadeira com a palavra “gêmeo”).
“Twinfinity" (2025) não é um “copia e cola” de “Infinity” (1996). As estruturas das músicas foram mantidas, mas foram dadas melhorias sutis aqui e ali. "Eu queria ficar próximo ao sentimento da gravação original e trazê-la cuidadosamente para o presente. Com um som melhor e, espero, uma banda melhor. Essas velhas músicas ainda são muito queridas para mim e eu queria gravá-las da maneira como sempre deveriam soar. É uma homenagem aos nossos primórdios.", disse o vocalista Michelle “Darkness”.
Muita coisa mudou desde 1996: os músicos se tornaram melhores em seus instrumentos, as técnicas de gravação evoluíram, os sentimentos sobre as músicas se transformaram. O melhor exemplo de tudo isso são as interpretações de Michelle hoje em cada faixa: sua voz está mais equilibrada, dosando mais os tons e com entonações diferentes conforme cada momento pede. Esse soube envelhecer bem.
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| Foto: Divulgação |
E vamos ser honestos: a regravação fez muito bem as faixas originais. As músicas soam mais vivas, há efeitos que valorizam as ideias originais e a produção supera com folga a do passado. “Infinity”, por exemplo, ganhou uma versão estendida de quase três minutos que a deixou perfeita.
“Twinfinity" (2025) é um trabalho que reverenciou seu passado e respeitosamente o superou. O formato duplo foi uma boa sacada da banda/gravadora, pois, além de ser uma forma de poder comparar os discos, é uma oportunidade de os fãs adquirirem o disco original já fora de catálogo há uns bons anos.
Lançado no formato digipack duplo, “Twinfinity" (2025) chega ao Brasil pela parceria Shinigami Records com a Reaper Entertainment. Inclui encarte do tipo pôster (47 x 24 cm) com as letras, a capa original e no verso uma foto ampliada atual dos integrantes.
Formação:
Michelle “Darkness”: vocais, guitarra
Michael "Sad Sir" Setzer: guitarra
Oliver "Kerker" Merkle: guitarra
Andreas "Hundi" Hund: baixo
Mathias "Lusiffer" Siffermann: bateria
Faixas:
+ CD 1 “Twinfinity” (2025, re-recorded)
01 Left My Way
02 Away
03 Seasons Of Black
04 Infinity
05 Tomorrow Not Today
06 Sleep
07 You
08 Nice Day To Die
09 No More Pleasure
+ CD 2 “Infinity” (1996)
01 Left My Way
02 Away
03 Seasons Of Black
04 Infinity
05 Tomorrow Not Today
06 Sleep
07 You
08 Nice Day To Die
09 No More Pleasure
Nota: 8
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| Foto: Divulgação |
Por: Rodrigo Noé de Souza - Mtb 0090611/SP
Com a mensagem contra toda a discriminação e preconceito, o Black Pantera lançou, no dia 24 de maio de 2024, o seu quarto petardo Perpétuo, pala gravadora Deck.
Assim como Ascenção (2022), o disco veio com dois pés no peito com Provérbios, com o refrão de gritar à plenos pulmões inflados de ódio, sendo que virou single.
Tradução homenageia a mãe de Charles e Chaene da Gama, Guiomar, mas também à todas as mães pretas que lutam diariamente para dar bem-estar e conforto aos seus filhos. E nessa música tem o trecho de Diário de um Detento, do Racionais MC's, numa melodia emocionante.
Candeia mostra a musicalidade afro, com batuques e vocais falados. Sem Anistia fala sobre o ataque à Democracia, ocorrido no dia 8 de Janeiro de 2023, em Brasília, numa tentativa de golpe de estado.
Mete Marcha tem o poema de Maya Angelou (1928 - 2014), Ainda Assim Eu Me Levanto (1978). F*d3u tem levada Funk e fala sobre a violência policial contra o povo preto e pobre.
O destaque também fica com Rodrigo Pancho socando a bateria sem dó nem piedade. Com certeza, o Black Pantera tocou na ferida mais dolorida da sociedade, que sofre com as injustiças e mazelas do cotidiano.
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| Foto: Marcos Hermes |
Black Pantera - 'Perpétuo'
Data de lançamento: 24/05/2024
Gravadora: Deck
Tracklist:
Provérbios
Perpétuo
Boom!
Tradução
Fudeu
Promissória
Candeia
Black Book Club
Sem Anistia
Mahoraga
Mete Marcha
A Horda
Charles Gama (guitarra e vocal)
Chaene da Gama (baixo)
Rodrigo "Pancho" Augusto (bateria)
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| Foto: Divulgação |
Por: Alexandre Veronesi - Colaborador Big Rock N' Roll
Poucas são as formações musicais que fazem a diferença dentro de seus respectivos nichos já nos primeiros anos de atividade, e este é sem dúvidas o caso da Eskröta, que vem chacoalhando o cenário Metal / Hardcore praticamente desde sua fundação, em 2017. Conheci melhor o som da banda na época do irretocável "Cenas Brutais" (2020), álbum que particularmente já considero um jovem clássico, e mesmo usufruindo do mesmo somente no âmbito digital, tomarei a licença poética de dizer que 'escutei o disco até furar'. O subsequente EP "T3rror" (2022) manteve o sarrafo no alto, mas então a decepção veio com "Atenciosamente, Eskröta", disponibilizado em Abril de 2023 - que, com certa boa vontade, dá pra classificar como mediano - e com isso posto, naturalmente eu não vinha nutrindo grandes expectativas para o lançamento de "Blasfêmea", ocorrido em 11/04 último nas plataformas de streaming. Ainda assim, a curiosidade fez-me conferir o álbum prontamente, e qual não foi a agradável surpresa que tive ao escutar com atenção os quase 27 minutos deste novo material do trio, que de cara salta aos olhos por meio da belíssima arte da capa, assinada por Nothing Lasts 4Ever (seja quem for o tal pseudônimo, com o perdão de minha ignorância).
A macabra e autoexplicativa introdução "Rito" prepara o ouvinte de forma adequada para o que virá a seguir. Mantendo as contundentes (e sempre importantes) críticas sociais que detém o feminismo como mote central, o power trio composto por Yasmin Amaral (voz e guitarra), Tamy Leopoldo (baixo) e Jhon França (bateria) demonstra aqui, acima de tudo, um elevado grau de maturidade e nítida evolução - digo isso considerando todos os sentidos possíveis da palavra - o que já se faz claro como cristal em "A Bruxa" e "Fogo", composições certeiras e de alto nível, daquelas que grudam em nossas cabeças logo na primeira audição.
Sem deixar a peteca cair, vem a cadenciada "Mantra" (com participação especial de MC Taya), "Loser" e "+666x", estas com dinâmicas e andamentos bem diversificados, o que torna a audição ainda mais fluída. "Fantasmas Pt. 2" aborda os traumas com um viés bastante pessoal, enquanto a violenta "Misery", única composição em inglês do registro, narra a trama de "Louca Obsessão" (do original, vejam vocês: "Misery"), antológica obra literária do mestre Stephen King.
Adentrando a trinca final, temos a ótima "LBR (Latina, Brasileira, Revolucionária)", rápida, recheada de groove, com um bom refrão 'batucado' e pontuais passagens cantadas em espanhol; e finalmente, "Mulheres Combinam com Sucesso" e "Quanto Tempo", petardos que, embora distintos, possuem em comum um ligeiro e bem vindo flerte com vertentes ditas 'modernas' do Metal - fato este recorrente no repertório do álbum de maneira geral, o que se revelou um grande acerto da banda.
É claro, sei que sequer chegamos ao meio da temporada, e pode ser ato precipitado fazer qualquer afirmação no momento, mas ainda assim me arriscarei a dizer que "Blasfêmea" já conquistou uma posição de destaque em meio aos bons lançamentos que vêm ocorrendo em 2025, e acredito que deva figurar com tranquilidade nas famigeradas e inevitáveis listas de final de ano.
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| Foto: Dani Moreira |
Eskröta - Blasfêmea
Data de lançamento: 11/04/2025
Gravadora / Selo: Deck
Tracklist:
01 - Rito
02 - A Bruxa
03 - Fogo
04 - Mantra
05 - Loser
06 - +666x
07 - Fantasmas Pt. 2
08 - Misery
09 - LBR (Latina, Brasileira, Revolucionária)
10 - Mulheres Combinam com Sucesso
11 - Quanto Tempo
Formação:
Yasmin Amaral - voz e guitarra
Tamy Leopoldo - baixo
Jhon França - bateria
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| Foto: Divulgação |
Por: Mayara Abreu
A essa altura, já sabemos que esperar o inesperado é a única constante quando falamos de King Gizzard and The Lizard Wizard. E ainda assim, Phantom Island surpreende. O novo álbum é um mergulho orquestrado em águas profundas da mente, com arranjos conduzidos pela grandiosa orquestra de 24 músicos liderada pelo maestro Chad Kelly. O resultado é uma obra que respira introspecção, mas que não abandona a identidade mutante da banda.
Logo na faixa-título, somos guiados por pianos e cordas num início quase cinematográfico. “Phantom Island” soa como uma preparação para a jornada, com atmosferas calmas que vão ganhando corpo com a entrada dos instrumentos de orquestra. A viagem ganha calor em “Deadstick”, uma das mais solares do álbum. Guitarras marcantes e sopros que nos jogam direto para um filme dos anos 80 em pleno dia ensolarado. É dançante, vibrante e cheia de vida.
“Lonely Cosmos” chega com um quê de nostalgia e um vocal em destaque logo de cara. É uma música que acolhe, com estrutura simples e eficaz, perfeita para quem estiver descobrindo a banda agora. Em seguida, “Eternal Return” dá espaço a uma vibe mais psicodélica. É impossível não lembrar de Tame Impala na introdução. Os vocais se transformam em um coral etéreo, um dos pontos mais marcantes do disco.
“Panpsych” vira o jogo de novo, com uma batida mais acelerada, grudenta, daquelas que você pega cantando sem perceber - mesmo sem ter um refrão repetitivo. Já “Spacesick” desacelera e traz uma melancolia suave, guiando o ouvinte por reflexões internas. É uma faixa contemplativa, que convida a desacelerar e sentir.
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| Foto: Jason Galea |
Em “Aerodynamic”, a introspecção aparece ainda mais evidente. As letras soam como confissões sinceras, e mesmo quando a música cresce e ganha energia, o clima permanece aconchegante, quase como um abraço sonoro. “Sea of Doubt” puxa memórias de trabalhos anteriores da banda, mas com um tempero mais nostálgico. É faixa para fechar os olhos e deixar o tempo passar.
“Silent Spirit” brinca com sopros e arranjos que beiram o jazz. Os vocais são suaves, flutuantes, criando um clima de pista de dança retrô, com alma e elegância. E aí, quando chega “Grow Wings and Fly”, a sensação é de libertação. O instrumental cresce em camadas, os vocais se misturam com a orquestra e tudo ganha uma dimensão grandiosa. É como se a banda nos convidasse a levantar voo depois de uma travessia profunda.
Phantom Island não é um disco qualquer. É um convite para desacelerar, sentir e se permitir viajar. King Gizzard and The Lizard Wizard mostra mais uma vez que sabe se reinventar sem perder a essência. E dessa vez, fez isso com cordas, sopros, sentimentos e liberdade.
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| Foto: Jason Galea |
King Gizzard & The Lizard Wizard - 'Phantom Island'
Gravadora: p(doom) Records / Virgin Music
Data de lançamento: 13/06/2025
https://open.spotify.com/album/3koVdFrXznL2PQ8WxTYjt7?si=xUxs8MAISaCoPh6YYdHhLg
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| Foto: Divulgação |
Por: Mário R. Pescada - Colaborador Big Rock N' Roll
O incansável Bob Mould segue lançando bons discos e esse ano chegou ao seu 15º trabalho solo, “Here We Go Crazy” (2025), através das gravadoras Granary Music/BMG.
Levando em conta seu primeiro lançamento solo de 1990, dá para termos uma noção do quão prolífera tem sido sua bem-sucedida carreira - não desmerecendo o que foi feito quando estava no Sugar e claro, no influente Hüsker Dü.
Pois bem. Aos 64 anos Bob volta com novo material embasado por letras sobre cotidiano, reflexões, dúvidas e afins. Se “Blue Hearts” (2000) foi um disco marcado pelo angustiante momento que vivíamos por conta da pandemia do Covid-19, “Here We Go Crazy” (2025) traz um Bob Mould querendo se distanciar desse confuso mundo de hoje e olhando mais para dentro de si.
“Eu meço minha vida em álbuns. E cada álbum é um ciclo da minha vida. O ciclo começa quando estou reunindo todas as ideias soltas, notas e eu me sento para escrever o disco. Então eu vou para o estúdio e gravo”, disse Bob em uma entrevista. Olhando assim parece uma rotina até simples, mas imagine fazer isso por mais de 40 anos e mantendo uma qualidade acima da média.
“Here We Go Crazy” (2025) não traz mudanças em relação ao que Bob lançou no passado, mas também não é uma cópia da cópia do que já foi apresentado. Há sim algumas coisas mais Hüsker Dü aqui e ali (“Neanderthal” e “Fur Mink Augurs”), mas no geral, seus fãs irão encontrar o que ele faz de melhor: punk rock com melodias cativantes, como na grudenta “Hard To Get” e nas pop punk “When Your Heart Is Broken” e “You Need To Shine”.
Ao todo são onze faixas que duram pouco mais de meia hora. Melódico, barulhento, emotivo, “Here We Go Crazy” (2025) contou com o apoio dos amigos de longa data Jason Narducy (baixo, Superchunk, Verbow) e Jon Wurster (bateria, Superchunk, The Mountain Goats).
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| Foto: Divulgação |
Um disco fácil de se ouvir e que tem um trabalho visual muito legal: todas as faixas ganharam um vídeo clipe personalizo, o que deixou o material mais atrativo ainda.
Formação:
Bob Mould: vocais, guitarra
Jason Narducy: baixo
Jon Wurster: bateria
Faixas:
01 Here We Go Crazy
02 Neanderthal
03 Breathing Room
04 Hard To Get
05 When Your Heart Is Broken
06 Fur Mink Augurs
07 Lost Or Stolen
08 Sharp Little Pieces
09 You Need To Shine
10 Thread So Thin
11 Your Side
Nota: 8
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| Foto: Divulgação |
Por: Mário R. Pescada - Colaborador Big Rock N' Roll
Diretamente de Cincinnati/EUA temos um ótimo representante do punk/garage chegando ao segundo disco, o quinteto Motorbike.
Formado em 2022, já no ano seguinte estrou com seu autointitulado disco e em 2025 solta o intenso “Kick It Over” (2025) através da gravadora/loja Feel It Records.
O que faz o Motorbike ser tão legal é o tom descompromissado das suas músicas, como Stooges, Dictators e New York Dolls fizeram brilhantemente no passado. É como se o disco fosse na verdade um ensaio gravado, sem aquela rigidez que encontramos em alguns lançamentos que por vezes acaba tirando toda a alma do material. Ter sido gravado em um porão ao longo de seis meses, não ter passado por tantos polimentos e contando ainda com os vocais roucos de Jamie Morrison, deixou o material no ponto.
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| Foto: Divulgação |
As dez faixas de “Kick It Over” (2025) misturam rock, proto-punk, garage e barulheiras afins. De curta, mas suficiente duração, temos ótimos temas como a animada “Currency”; a fim de festa “Cold Sweat”; as Stooguinianas “Western Front” e “Jungle Land” e “What Have I Done” fechando de forma barulhenta o disco.
A versão em CD de “Kick It Over” (2025) traz ainda quatro faixas bônus. Infelizmente esse é mais um bom lançamento que não deve chegar por aqui, mas que merece uma audição.
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| Arte: Yohan Kisser |
Por: Rodrigo Noé de Souza - Mtb 0090611/SP
Com 12 faixas, o cantor e multi-instrumentista Yohan Kisser lança seu primeiro álbum solo, o The Rivals Are Fed And Rested, explorando seu talento e diversidade musical, que vai de Beatles, Frank Zappa e Mutantes.
Ao lado dele, está Guto Passos, que toca baixo e é o produtor do disco, e Willian Paiva na bateria. O disco foi gravado no Lhama Records/SP.
Pelo que se ouve, a salada musical é extensa, com Yohan cantando tanto em inglês quanto em português. Sem falar que ele foi o artista da capa.
As duas músicas, a Faixa-Título e Membro Fantasma, viraram singles, sendo que a última é uma homenagem à sua mãe Patrícia Kisser. Nesse disco, ele explora sua técnica com o piano e sintetizadores.
Entre as participações, estão Luiz Carlini tocando Lapsteel em A Tábua e o Metro, além das outras músicas adicionar cello e fagote.
Recentemente, Yohan tocou no Blue Note SP para o show de lançamento do disco. E ele fez seu nome ecoar. Não é à toa que seu talento veio de berço.
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| Foto: Julia Missagia |
Yohan Kisser - 'The Rivals Are Fed And Rested'
Data de lançamento: 18/09/2024
Tracklist:
1. The Rivals Are Fed and Rested
2. Membro Fantasma
3. Rosa Fúcsia
4. Não Encontros
5. A Tábua e o Metro
6. Flush If You Must
7. Tall Being
8. Quantas Línguas
9. Loan Shark
10. Passou das Seis
11. To Whom Does Food and Rest Belongs?
12. Os Supérfluos e a Supernova
Yohan Kisser | Voz e Guitarra
Luis Carlini | Guitarra
William Paiva | Bateria